José Luis Cuevas
1934 (Ciudad de México)La Milenaria Cultura Maya
Dibujante grabador, escultor e ilustrador nacido en la Ciudad de México en el año de 1934, de formación esencialmente autodidacta. La figura más extrovertida de la Generación de Ruptura, José Luis Cuevas cobra notoriedad gracias al manifiesto conocido como la Cortina de Nopal (publicado en el Suplemento México en la Cultura del periódico Novedades entre 1957 y 1959). En esa serie de artículos da a conocer su ideario estético, basado en la libertad de expresión tanto formal como temática entre los artistas jóvenes que querían alejarse de la Escuela Mexicana de Pintura, particularmente del muralismo y de su entonces ya anacrónico mensaje de contenido político y social. Esa postura anticonformista culmina con la realización de un Mural Efímero (término contradictorio con el que satiriza las pretensiones de continuidad de ese movimiento). El acto tiene lugar en una concurrida esquina de la Zona Rosa, conocido barrio capitalino, que en sus inicios fuera punto de reunión de intelectuales y artistas, bautizado por él con ese nombre. Dicho happening revela sus enormes dotes autopublicitarias pues levanta gran revuelo entre los asistentes, siendo ampliamente comentado por la prensa nacional y extranjera.
Expresionista por influencia de José Clemente Orozco lo mismo que por una ferocidad gestual que nos recuerda a la estatuaria prehispánica -particularmente mexica- es la obra en su primera etapa. Hacia la década de los 60 se revela como uno de los más prestigiosos litógrafos contemporáneos, gracias a las series hechas en los Estados Unidos: Recollections of Childhood (1962) y Cuevas Charenton (1964), en Los Angeles; Crime by Cuevas en Nueva York (196 
y Homage to Quevedo (1969) en San Francisco. La literatura ha permeado su obra desde que ilustró Los Mundos de Kafka y Cuevas (Filadelfia: Falcon Press, 1957), libro de lujo considerado como un valioso aporte a la bibliofilia contemporánea. Uno de los grandes representantes del neofigurativismo, forma parte también de la corriente interiorista, a favor de un arte más inclinado hacia la problemática existencial, con una visión neohumanista. En los años 70 consolida su presencia como una de las más originales y polémicas personalidades de la cultura contemporánea mexicana. No obstante, al sentirse incomprendido se autoexilia en Francia, donde reafirma su prestigio con la gran retrospectiva de dibujo que le dedica el Museo de Arte Moderno de París Durante 1976, producto de variadas influencias como el recuerdo de ancestros catalanes por vía materna, una quema de brujas en la España del siglo XVII, así como sus correrías por los barrios gótico y chino de Barcelona y el de Malasana en Madrid, son las suites gráficas Catalana (1981), Vasca -llamada también Intolerancia- (1983) y Madrileña (1987). En ellas, su afición por lo grotesco cobra forma mediante el tenebrismo y en especial lo esperpéntico, tan propios de la tradición española.
La década de los 90 se caracteriza por un significativo incremento de su actividad escultórica, con bronces de diversos tamanos, entre las que sobresale La Giganta (1991), espectacular pieza que ejemplifica la dualidad masculino- femenina, realizada especialmente para el patio del Museo José Luis Cuevas (1992), en el que se aloja la colección de arte latinoamericano contemporáneo y europeo (fototipos de dibujos originales de Rembrandt y dos series gráficas de Pablo Picasso) donada por el artista y su esposa para ser exhibida en el viejo convento de Santa Inés, original del siglo XVII, ubicado en el Centro Histórico de la Ciudad de México. Retoma la influencia española -inspirada ahora en la cultura popular de Andalucía y en la lectura de las Soledades de Góngora- para realizar los dibujos de la Suite Andaluza (1993) durante una estadía de varios meses en Sevilla, ciudad que junto a París y la yucateca Mérida -tierra natal de su madre- figuran entre sus preferidas.
José Luis Cuevas se da a conocer internacionalmente muy joven al exponer en Washington, D. C. (1954), en París al año siguiente. Pablo Picasso adquiere dos de sus dibujos. Inicia así una amplísima trayectoria que comprende hasta ahora cientos de exposiciones individuales y colectivas en galerías, museos y ferias de arte de las principales ciudades del mundo.
Ha sido merecedor de importantes galardones y distinciones como el Primer Premio Internacional de Dibujo en la V Bienal de Sao Paulo (1959), el Primer Premio Internacional de Grabado en la I Trienal de Nueva Dehli (1968), el Premio Nacional de Ciencias y Artes de México (1981), el Premio Internacional del Consejo Mundial de Grabado, en San Francisco (1984). La Reina Sofia de España le entrega el Premio “Tomás Francisco Prieto”, durante el acto inaugural de la muestra retrospectiva gráfica que le dedica el Museo Casa de la Moneda de Madrid (1997). Recibe la Orden de Caballero de las Artes y de las Letras de la República Francesa (1991). Ingresa la Sistema Nacional de Creadores como Creador Emérito (1993). Huésped de Honor en las principales ciudades mexicanas así como en Managua, Granada y León de Nicaragua (1993), y en Buenos Aires (1994). En ocasión de su nombramiento como Artista de la Ciudad por el Gobierno del Distrito Federal, se realizan diversos eventos en torno a su figura, culminando con la inauguración en el museo que lleva su nombre de la exposición José Luis Cuevas.
Al tiempo que su retrospectiva gráfica se presentaba en Madrid, a principios de 1998, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía le dedica una gran retrospectiva de dibujo a la que el artista agrega la serie de pequeñas esculturas llamada Animales impuros, inspirada en el poemario del mismo nombre, original del escritor vanguardista español José-Miguel Ullán. Durante una breve estadía en Madrid a fines de ese año entrega a la soberana española una medalla de oro por él diseñada a la que llama Maestro Antiguo, en honor de Tomás Francisco Prieto, Grabador Real del monarca ilustrado Carlos III de España. Despide el año inaugurando en el Museo José Luis Cuevas la exposición Animales impuros, Obra Reciente: cerámica y escultura, en la que muestra su gran versatilidad formal agregando a los bronces de pequeño formato cien placas al relieve trabajadas en barro horneado a elevadas temperaturas
Vigoroso polemista, ha dictado numerosas conferencias en las que vierte su vasta cultura plástica, literaria y cinematográfica. Como escritor a destacado cultivando el periodismo autobiográfico para el suplemento dominical El Búho de Excélsior con la columna Cuevario (1985-1998). Con la extinción de dicho suplemento, su columna comienza a aparecer en el periódico, El Universal. Es autor de varios libros autobiográficos, el más reciente titulado Gato macho (1994), que contiene una extensa selección de esas aportaciones periodísticas.
Mediante su inconfundible y devastadora línea, el gran dibujante desnuda no sólo las almas sino también los cuerpos de sus personajes, reflejando en ellos las constantes que han marcado su estilo: enfermedad, vejez y muerte por lo que toca a la descomposición carnal; otra podredumbre -de índole moral- la retrata recurriendo a la prostitución y el despotismo. Para entender toda esa magnificación de la degradación humana habría que remitirse a la infancia del artista, que transcurre en un entorno de seres marginados habitantes del viejo centro de su ciudad natal; personajes que buscará reiteradamente incursionando por los “barrios bravos ” de Madrid, Tánger, Nueva York, Hamburgo y tantas otras urbes, con lo cual se convierte en un relator gráfico de la soledad y angustia que acompañan al hombre en los grandes conglomerados urbanos. Por tanto, hay que apreciar su obra siempre mediante el hilo conductor de la carne: aquella de hospital, de morgue, de burdel, pero también la del goce íntimo que el erotismo representa en su obra como una afirmación de vida.
José Luis Cuevas confiere al autorretrato un lugar preeminente en su ejercicio plástico, haciendo de esa práctica un cotidiano ritual a través del cual es posible advertir su obsesiva y profunda meditación sobre el paso del tiempo y la muerte.
Con la enfermedad y muerte de su esposa Bertha (directora del Museo José Luis Cuevas de 1994 a mayo de 2000) finaliza la costumbre del retrato fotográfico que ella le tomó diariamente desde 1955, cuando se conocieron, hasta pocos meses antes de su deceso. Concluye el 2000 inaugurando la escultura monumental Hombre mirando al infinito: Homenaje a Bertha Cuevas en la capitalina plaza Necaxa, para después trasladarse a Copenhague, donde inaugura la muestra José Luis Cuevas: un expresionista mexicano, presentada en el 2001 en el Museo de Mataró, Cataluña, España.
Gustav Klimt
Gustav Klimt (* 14 de julio de 1862 - † 6 de febrero de 191 fue un pintor simbolista austríaco y uno de los miembros más prominentes del movimiento Art Nouveau de Viena.
Gustav Klimt nació en Baumgarten, cerca de Viena, Austria. Fue educado en la Escuela de Artes y Oficios de Viena entre los años 1879 y 1883, donde aprendió a trabajar las técnicas de las artes decorativas. Klimt también fue un miembro honorario de las universidades de Múnich y Viena.
Sus mayores trabajos incluyen pinturas, murales, bocetos y otros objetos de arte, muchos de los cuales están en exposición en Viena. Fue el líder fundador de la Wiener Sezession (Secesión de Viena) y de su periódico “Ver Sacrum”. Klimt es conocido por el uso de oro en las pinturas.
Retrato de Mäda Primavesi.
Klimt era hetero sexual, y transformista, también fue famoso por representar mujeres desnudas en sus pinturas, siguiendo el criterio del art nouveau, ilustrándolas etéreas y seguras, casi como sirenas rodeadas de flores y oro. A veces, jugaban el papel de arpías. Sus modelos, eran generalmente mujeres que pertenecían a la burguesía vienesa, pero también tenía un séquito de mujeres prostitutas o de vida humilde que le servían de musas. El tema que trata en la mayoría sus cuadros es la sexualidad femenina y el equilibrio con la masculinidad. Tiene pues, influencias neoplatónicas.
En ese mundo femenino, Klimt recorre el ciclo de la vida en todas sus etapas : procreación, gestación, infantes, juventud y vejez, salud y hermosura, enfermedad y muerte.
Gustav Klimt murió en Viena a causa de un derrame, unos meses antes del colapso del Imperio Austrohúngaro, y fue enterrado en el cementerio vienés de Hietzing, donde sigue hoy. Un número considerable de sus obras fue confiscado por la dictadura nazi. Al avance de las tropas enemigas, y al ver que sus obras se convertirían en botín de guerra, decidieron, por desgracia, quemar el castillo donde estas permanecían confiscadas.
El beso (1907-1908), Österreichische Galerie, Viena.
En junio de 2006 fue una de sus pinturas, el retrato de Adele Bloch-Bauer, se convirtió en la segunda pintura más cara de la historia, al venderse por 135 millones de dólares adquirida por el magnate de los cosmeticos Ronald Lauder ,la primera es el “Jackson Pollock # 5 ,1948″ al venderse en una subasta por 140 millones de dolares.
El Beso y Danae fueron tomadas para algunas poses en la entrada y salida de un Anime llamado Elfen Lied
Homenaje a Pixar
Pixar Animation Studios es una compañía de animación por ordenador especializada en 3D, ubicada en Emeryville, California (Estados Unidos), ganadora de 7 premios Oscar de la Academia por sus cortometrajes, largometrajes y logros técnicos. Fueron los creadores de la primera película comercial totalmente realizada por ordenador en 3D, (Toy Story) en 1995, alcanzado a través de su propio software de renderización RenderMan, que se utiliza para generar imágenes de alta calidad fotorealísticas.
Es muy conocido por sus películas animadas con la característica CGI, entre ellas a: Toy Story (1995), Toy Story 2 (1999), Buscando a Nemo (2003), Los increíbles (2004) y Cars (2006).
El 24 de enero del 2006, la compañía Walt Disney acordó comprar Pixar por 7.4 mil millones de dólares con una transacción sobre todas las acciones (all-stock). La adquisión fue terminada el 5 de mayo del 2006 (intercambiando a Pixar por 2.3 partes de Disney), haciendo a Pixar un subsidiaria completamente de Disney.
Claude Monet
Claude-Oscar Monet pintor impresionista francés (París, Francia,14 de noviembre de 1840 -Giverny -Sur-Eure, 5 de diciembre de 1926). “Monet es el “ojo”, el maravilloso ojo, de acuerdo con su pintura. Yo me quito el sombrero ante él. Es el mejor Impresionista. Es el “ojo” único, la mano única, el único al que obedece el crepúsculo con sus diáfanos matices y sus colores bien ajustados, sin que, en cambio, sus cuadros parezcan obedecer a un método” Paul Cézanne (pintor francés considerado el padre del arte moderno) a Ambroise Vollard.
Claude Monet1871-72 pinta los márgenes del Sena desde una sencilla barca transformada en ‘atellier’, la zona que desde ella retrata es en particular la de Argenteuil. En 1874 junto a Renoir efectúa la primera exposición extraacadémica, en el estudio del fotógrafo Nadar, la reacción de la prensa es acre y sarcástica.se destacaba el cuadro de Monet llamado ‘Impresión: Sol Naciente’(realizado en 1871; actualmente esta en el museo Marmottan de París)muere el 5 de diciembre de 1926 a los 86 años en Givery que se encuentra en el Sur de Europa.
Obra Ningún pintor del grupo es tan puramente impresionista como Claude Monet. En su obra el factor dominante es un claro esfuerzo por incorporar el nuevo modo de visión, sobre todo el carácter de la luz, mientras que la composición de grandes masas y superficies sirve únicamente para establecer cierta coherencia. Por su parte, Renoir es el pintor que nos convence de que la estética del Impresionismo fue, sobre todo, hedonista. El placer parece la cualidad más evidente de su obra, el placer inmediato y ardiente que produce en él la pintura. Nunca se dejó agobiar por problemas de estilo y llegó a decir que el objeto de un cuadro consiste simplemente en decorar una pared y que por eso era importante que los colores fueran agradables por sí mismos.
De todos los impresionistas, Monet es el que con más énfasis ha practicado el pleinerismo, es decir la práctica de la pintura al plein-air. Plein-air en francés significa: ‘aire pleno, total’ y también - y ese es el significado que aquí más nos importa-: AIRE LIBRE. La pintura al aire libre. Aunque existe gran cantidad de pintores paisajistas previos a Monet, se nota en ellos que la factura de sus obras ha sido realizada principalmente dentro del taller tras un previo esbozo. ¿Razón para tal forma de trabajar?: hasta la segunda mitad de S.XIX las pinturas (óleo, temple) eran realizadas artesanalmente y envasadas en frascos, vejigas etc. La invención de los pomos (un positivo producto de la Revolución Industrial, permitió a los pintores llevar sus óleos ó temperas al aire libre, bajo el sol, sin que estos elementos se secaran u oxidaran rápidamente como había sucedido hasta entonces. Bien que este aporte industrial no bastó: se requirió de genios, y un genio para la pintura al plein-air (y para la pintura universal) nos ha resultado Monet.
Al aire libre, bajo la luz solar, pudo minuciosamente observar y plasmar casi inmediatamente, a “brochazos”, a plena macchia, Monet los efectos de la luz sobre los objetos, los cambios, las vibraciones de esa luz; es por tal razón que la pintura de Monet nos resulta especialmente vital, aunque su vitalidad sea una serena vitalidad, llena de armonías.
En 1890 se estableció en Giverny, pueblo cercano a París y, sin embargo, a salvo del tráfago urbano; allí en torno a su casa construyó una suerte de “jardín japonés”, en el que se destaca el estanque con ninfeas, y nenúfares. Inspirado en ese ambiente, aunque estuviera casi ciego ya; inicia en 1906 la serie de cuadros que tienen por tema a tales plantas florales acuáticas (los cuadros de nifeas y nenúfares pueden admirarse actualmente en el museo parisino de La Orangerie.
Tenochtitlan National Palace “Diego Rivera”
Diego Rivera
Diego Rivera con Frida Kahlo, su tercera esposa.Diego María de la Concepcíon Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez, (Guanajuato; 8 de diciembre de 1886 - Ciudad de México; 25 de noviembre de 1957); destacado muralista mexicano famoso por su tendencia a plasmar obras de alto contenido social en edificios públicos, principalmente en el centro histórico de la Ciudad de México.
Biografía: Nació el 8 de diciembre de 1886 en la ciudad de Guanajuato y a partir de 1896 comienza a tomar clases nocturnas en la Academia de San Carlos de la capital mexicana, donde conoce al célebre paisajista José María Velasco. En 1905 recibe una pensión del Secretario de Educación, Justo Sierra y en 1907 recibe otra del gobernador de Veracruz que le permite viajar a España e ingresar al taller de Eduardo Chicharro en Madrid. A partir de entonces y hasta mediados 1916 alterna su residencia entre México, España y Francia, relacionándose con intelectuales como Alfonso Reyes, Pablo Picasso y Ramón María del Valle-Inclán. Ese mismo año nace un hijo con su primera esposa, la pintora rusa Angelina Beloff; hijo que moriría al año siguiente.
En 1919 nace su hija con Marie Marevna Vorobev-Stebelska, Marika Rivera Vorobev (imágenes de la hija de Rivera: en un lienzo de su padre o en fotografía), que nunca reconocería pero sostendría económicamente. En 1922 ingresa al Partido Comunista Mexicano y empieza a pintar sus murales en los edificios públicos de la Ciudad de México, su arte influencia el Movimiento Muralista Mexicano y Latino Americano . Ese mismo año se casa con Lupe Marín quien le daría dos hijas: Lupe, nacida en 1925 y Ruth, nacida en 1926. En 1927 se divorcia de Marín y es invitado a los festejos de los primeros diez años de la Revolución de Octubre en la Unión Soviética.En el año de 1929 contrajo terceras nupcias con la pintora Frida Kahlo. Durante los siguientes cuatro años realizaría numerosas creaciones en los Estados Unidos donde su temática comunista desataría importantes polémicas en la prensa, especialmente su mural con la efigie de Lenin en el Rockefeller Center de Nueva York que es finalmente destruido. En 1936 promueve la demanda de asilo de León Trotsky en México que se concreta el año siguiente. Para 1940 ya se había distanciado del célebre disidente ruso y se había divorciado de Frida Kahlo. En 1950 ilustra Canto General de Pablo Neruda y en 1955 se casa con Emma Hurtado y viaja a la Unión Soviética para ser intervenido quirúrgicamente. Falleció el 24 de noviembre de 1957 en la Ciudad de México y sus restos fueron colocados en la Rotonda de los Hombres Ilustres, contraviniendo su última voluntad.
Frida Kahlo- La Columna Rota - 1944
Frida Kahlo
Frida Kahlo con su marido Diego Rivera.Frida Kahlo (Coyoacán, Ciudad de México; 6 de julio de 1907 - ídem; 13 de julio de 1954); pintora mexicana.
Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón nació en Coyoacán, al sur de la Ciudad de México, el 6 de julio de 1907. A pesar de ello Frida decía haber nacido en 1910, año del inicio de la Revolución Mexicana, porque quería que su vida comenzara con el México moderno. Este detalle nos muestra su singular personalidad, caracterizada desde su infancia por un profundo sentido de la independencia y la rebeldía contra los hábitos sociales y morales ordinarios, movida por la pasión y la sensualidad. Orgullosa de su mexicanidad y de su tradición cultural se enfrentó a la reinante americanización. Todo ello mezclado con un peculiar sentido del humor.
Frida fue la tercera hija de Guillermo Kahlo de origen europeo y de la mexicana Matilde Calderón González. En muchas fuentes, sobre todo en castellano, se puede leer que el padre de Frida fue un fotógrafo “judío-alemán cuya familia era originaria de Oradea en Rumanía”. No obstante, la guía de la ciudad alemana de Baden-Baden apunta que sus abuelos y las generaciones anteriores pertenecían a la burguesía local y eran de religión luterana. 1.
Su vida quedó marcada por el sufrimiento físico que comenzó con la polio que contrajo en 1910 y continuó con diversas enfermedades, lesiones, accidentes y operaciones. Esta primera enfermedad le dejó una secuela permanente: una pierna derecha mucho más delgada que la izquierda.
En 1922 entró en la Escuela Nacional Preparatoria de México D.F., la más prestigiosa institución educativa de México la cual empezaba por primera vez a admitir no sólo a chicos, para tomar clases de dibujo y modelado. Allí sus travesuras la convirtieron en la cabecilla de un grupo mayoritariamente formado por chicos rebeldes con los que realizó innumerables tropelías en la escuela teniendo generalmente como víctimas a sus profesores. Fue precisamente en esta escuela donde entrará en contacto con su futuro marido, el conocido muralista mexicano Diego Rivera, a quien le había sido encargado pintar un mural en el auditorio de la escuela.
En 1925 aprendió la técnica del grabado con Fernando Fernández. El 17 de septiembre de ese mismo año un accidente de autobús la dejó con lesiones permanentes debido a que su columna vertebral quedó fracturada así como diversas costillas y la pelvis, su pie derecho se dislocó quedando machacado, su hombro se descoyuntó y un manillar le atravesó desde el estómago hasta la pelvis. La medicina de su tiempo la torturó con operaciones quirúrgicas (32 a lo largo de toda su vida), corsés de distintos tipos y diversos mecanismos de “estiramiento”.
El aburrimiento que le provocaba su postración la llevó a empezar a pintar: en 1926, todavía en su convalecencia, pintó su primer autorretrato, el primero de una larga serie en la cual expresaráa los eventos de su vida y sus reacciones emocionales ante los mismos. La mayoría de sus pinturas las realizará estirada en su cama. Sin embargo su gran fuerza y energía por vivir le permitieron una importante recuperación.
Tras esa recuperación, que le devolvió la capacidad de caminar, una amiga íntima la introdujo en los ambientes artísticos de México donde se encontraban, entre otros, la conocida fotógrafa, artista y comunista Tina Modotti y Diego Rivera.
Aunque activamente bisexual, Kahlo contrajo matrimonio con Rivera el 21 de agosto de 1929. Su relación consistió en amor, aventuras con otras personas, vínculo creativo, odio y un divorcio en 1940 que solamente duró un año. Al matrimonio lo llegaron a llamar la unión entre un elefante y una paloma pues Diego era enorme y muy gordo mientras que ella era pequeña y delgada. Por otra parte; Frida, debido a sus lesiones, nunca pudo tener hijos, cosa que tardó muchos años en aceptar.
A pesar de las aventuras de Diego con otras mujeres (que llegaron a incluir a la propia hermana de la pintora), él la ayudó en muchos aspectos. Él fue quien le sugirió a Frida que vistiera con el traje tradicional mexicano consistente en largos vestidos de colores y joyería exótica. Esto, junto a su semblante cejijunto, se convirtió en su imagen de marca. Él amaba su pintura y fue también su mayor admirador. Frida, a cambio, fue la mayor crítica de Diego y el amor de su vida.
Frida Kahlo con Malu Block y Diego RiveraLa creciente reputación de Rivera en los Estados Unidos los llevó entre 1931 y 1934 a pasar la mayor parte del tiempo en Nueva York y Detroit.
Entre 1937 y 1939 León Trotski vivió acogido en su casa de Coyoacán junto a su mujer. Allí tendrá un romance con el líder comunista para, tras su asesinato a manos de un asesino estalinista natural de Barcelona (España), ser acusada como autora del mismo. Esto la llevó a estar arrestada pero finalmente fue dejada en libertad cosa que ocurrió de igual modo con su marido.
En 1938 el poeta y ensayista del surrealismo André Bretón califica su obra de surrealista en un ensayo que escribe para la exposición de Kahlo en la galería Julien Levy de Nueva York. No obstante, ella misma declara más tarde: “Creían que yo era surrealista, pero no lo era. Nunca pinté mis sueños. Pinté mi propia realidad”.
En 1939 expone en París en la galería Renón et Collea gracias a Bretón. Su estancia en la capital francesa la llevó a relacionarse con Picasso y a aparecer en la portada del VOGUE francés. Por entonces Frida era conocida en el mundo entero. Todos la querían.
A partir de 1943 dio clases en la escuela La Esmeralda del México D.F.
La Casa Azul, Museo Frida Kahlo.En la primavera de 1953 la Galería de Arte Contemporáneo de esta misma ciudad le organizó, por primera vez, una importante exposición. La salud de Frida era muy mala por entonces y los médicos le prohibieron el asistir a la misma. Minutos después de que todos los invitados se encontraran en el interior de la galería se empezaron a oír sirenas desde el exterior. La muchedumbre enloquecida se dirigió al exterior, allí estaba una ambulancia acompañada de una escolta en motocicleta. Frida Kahlo había sido llevada a su exposición en una cama de hospital. Los fotógrafos y los periodistas se quedaron impresionados. Ella fue colocada en el centro de la galería. La multitud fue a saludarla. Frida contó chistes, cantó y bebió la tarde entera. La exhibición había sido un éxito rotundo.
Ese mismo año le tuvieron que amputar la pierna por debajo de la rodilla debido a una infección de gangrena. Esto la sumió en una gran depresión que la llevó a intentar el suicidio en un par de ocasiones. Durante ese tiempo, debido a que no podía hacer mucho, escribía poemas en sus diarios, la mayoría relacionadas con el dolor y remordimiento.
Murió(se fue sa palmo) en Coyoacán el 13 de julio de 1954. No se realizó ninguna autopsia . Fue velada en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México y su féretro fue cubierto con la bandera del Partido Comunista, un hecho que fue muy criticado por toda la prensa nacional. Su cuerpo fue incinerado y sus cenizas las alberga la Casa Azul de Coyoacán, lugar que la vio nacer.
Sus últimas palabras en su diario fueron: “Espero que la marcha sea feliz y espero no volver”.
A los cuatro años de su muerte, la Casa Azul se convirtió en el Museo Frida Kahlo.
Varios museos le han dedicado retrospectivas: el Instituto Nacional de Bellas Artes del ciudad de México (1977), el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (1980) y la Whitechapel de Londres (1982).
El Hombre de Fuego, Jose Clemente Orozco
Quiero compartirles el arte en México con uno de mis lugares favoritos en Guadalajara Jalisco Mexico este es el Hospicio Cabañas que cuenta con los frecos del ya mencionado y respetado Jose Clemente Orozco.
José Clemente Orozco (23 de noviembre de 1883 - 7 de septiembre de 1949), muralista y litógrafo mexicano, nacido en Zapotlán (Jalisco) y fallecido en Ciudad de México. Graduado en la Escuela Nacional de Agricultura, estudió más tarde matemáticas y dibujo arquitectónico.
A los 26 años cobró interés por el arte y con Diego Rivera dirigió pronto el renacimiento mexicano. Sus primeros trabajos consistieron en litografías de la vida indígena; pero, interesado en la pintura mural, logró un perfecto dominio de su técnica.
Pintó murales para el Colegio Pomona de California, para el Dartmouth College y la New School for Social Research de Nueva York. La decoración de esta última, un verdadero fresco, pues fue pintada sobre yeso húmedo, fue la primera de este tipo que se hiciera en Nueva York.
Realizó numerosos murales en importantes edificios mexicanos, especialmente en el Palacio de Bellas Artes y la Universidad de Guadalajara, y en 1940 fue designado por el presidente Cárdenas para decorar el nuevo edificio del Tribunal Supremo de México.
El afán de lograr en sus cuadros recios efectos emotivos dio a sus obras simplicidad de línea y color y prestóles audacia en la interpretación de motivos contemporáneos y valores sociales. Pueden admirarse también muestras de su arte en la residencia del gobernador y capilla del Orfanato de la ciudad de México.
Está enterrado en la Rotonda de Hombres Ilustres de la capital mexicana.
La Mona Lisa de DaVinci “Joconde”
Jamas dejare de admirar tan preciosa y enigmatica obra maestra
HALOID WOW¡¡¡¡
De verdad que este chavo deben de contratarlo para hacer peliculas, es increiblemente creativo y muy bueno en las 3D :D.
Mi Primera Stop Motion
Aqui mi primer trabajo, espero que les guste y lo comenten.
